30 de abril de 2012



                                                  

                                                          PROYECTO





Levis Strauss “las reglas de comportamiento de todos los sujetos de una determinada cultura son existentes en todos los sujetos a partir de una estructura invisible que ordena a la sociedad.


  ¿Qué?

-              Recopilar las herencias socioculturales comunes de los miembros de una misma cultura para después desvelarlas con su representación. 
-              Centrarme en las herencias socioculturales de España.
-              Crear una “marca” del tipo español.
-              Crear una archivo/base de datos de estos legados


 ¿ Por qué? Origen y Fundamento

       El hombre hereda unos rasgos biológicos y un importante componente social.
       La principal herencia social  del hombre es la cultura . Los individuos desarrollan una personalidad como resultado del aprendizaje de una cultura dada.
       Esta cultura es transmitida de una generación a otra. Los individuos de una cultura o misma sociedad tienden a comportarse según unas determinadas personalidades que reflejan las características propias de los contornos sociales estereotipados de dicha cultura ( personalidad básica).
        Existe una interdependencia entre los referentes de cultura y sociedad y en todas las culturas se plasman ciertas formas estandarizadas de comportamiento social-tipo.
        Es importante conocer qué aspectos de nuestra personalidad son nuestros realmente y cuáles proceden de factores sociológicos.
       Intentar entender qué rasgos de comportamiento nos diferencian de otras culturas .


   ¿Para qué?

-              Tomar consciencia
-              Porque me interesa mucho

¿Cómo se hace?


       Conseguir la altura media de la mujer española ( estadística)
       Con la altura sacar las proporciones del cuerpo humano de esta “ mujer tipo”
       Con estas medidas hacer un patrón base que servirá como herramienta para sacar vestidos
       Cada Vestido/ vestuario representa una de las “ capas/ herencias” que nos inculcan y llevamos encima inconscientemente:

-               Cultura
-               Religión
-               Familia
-               -Sociedad
-               Educación/escuela
-               Genética
    
       Cada vestido/vestuario irá acompañado de su ficha técnica con toda su información, documentación y proceso de trabajo
       Crear una marca de toda la “ colección”. Representaría el modelo del tipo español.




 


Altura Total 162,35

       Una palma equivale al ancho de cuatro dedos.
      Un pie equivale al ancho de cuatro palmas (30,48 cm)
         6,75 x 4: 27
      Un antebrazo equivale al ancho de seis palmas.
         Antebrazo 40,5:  40.5/6: 6,75. Una palma 6.75
      La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas)
         162,3/4:  Cada antebrazo 40,5
      Un paso es igual a un antebrazo:
         40,5
      La longitud de los brazos extendidos (envergadura) de un hombre es igual a su altura. 162,3
      La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre          
         162,35%10: 16,23
      La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre: 162,3/8: 20,28
      La distancia entre el nacimiento del pelo a la parte superior del pecho es un séptimo de la altura de un hombre. 162,3/7:23,18
      La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre.
        162,3/4: 40.5
      La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre. 40,5
      La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre.
         162,3/5: 32,46
      La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre: 162,3/8:20,28
      La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre: 162,3/10:16,23
      La distancia de la barbilla al principio de la nariz es un tercio de la longitud de la cara
        16,23/3:5,41
      La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara
       16,23/3: 5,41
      La altura de la oreja es un tercio de la longitud de la cara.
       16,23/3: 5,41
      La distancia desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla es la cuarta parte del hombre.
       162,3/4: 40,5
      La distancia desde debajo de la rodilla hasta el inicio de los genitales es la cuarta parte del hombre.
        162,3/4:40,5
      El inicio de los genitales marca la mitad de la altura del hombre.
         81,15.



 

31 de marzo de 2012


                                 Arte de contexto. Jordi Claramonte




El artista ha tenido la necesidad de intentar cambiar la vida y el mundo social en el que se desarrolla desde que se etiquetó esta práctica como tal.   El lenguaje para llegar a este fin ha ido transformándose de la mano del constante intento  por destacar en un difícil mundo contaminado por el exceso de información.  Analizaremos las causas y problemas que esto implica en el arte partiendo del libro “ arte de contexto” de Jordi Claramonte. 

Sí la autonomía artística del siglo XIX y XX se construyó negando la sociedad burguesa, la autonomía del siglo XXI se construye negando superficialmente que está a merced de la nueva burguesía disfrazada de institución, y uno de los problemas fundamentales del arte ha sido justamente esa búsqueda. La base del arte de contexto es bastante razonable. Asumimos que el contexto es y siempre ha sido una parte fundamental en la práctica artística y que esta no se puede separar del pensamiento que la articula de su marco social. Principalmente porque queramos o no somos animales sociales y vivimos en comunidad y desde algún rincón remoto de nuestra inconsciencia sacamos como nos afecta esta parte colectiva que tenemos.  La búsqueda de la propia autonomía del arte actual ha hecho que se elijan esferas públicas menos segregadas socialmente que las del mundo del arte.  Llegados a un punto donde deja de haber limites respecto a qué o qué no es arte¿ por qué seguir dependiendo de las instituciones para legitimar las obras?  El primer punto interesante fue la suplantación del museo como único escaparate de estas. El museo siempre ha sido un lugar que adrede o no siempre ha atraído sobretodo a  personas de alto copete. El arte de todos, para todos llevó consigo ocupar las calles, los barrios como plataformas de difusión de las obras. Un arte fácil y para disfrute gratuito. Esta realidad empieza poco a poco a formar parte de la obra. Pronto la tendencia del artista a lo negativo empieza infiltrándose en la distribución social. El artista empieza a utilizar herramientas artísticas con fines sociales y humanitarios. Que menos que utilizar la poética, lo artístico para llamar la atención del espectador y como forma para criticar , siendo esta una idea transparente de indirectas pero con el claro conocimiento de la influencia visual en la sociedad.
La intervención artística deja  entonces de tener un papel servil ante la realidad para tener una relación de complicidad con ella utilizando herramientas artísticas con fines sociales y humanitarios.  Poco a poco lo que empieza siendo un acto de buena fe y voluntad empieza a degenerar y ha contradecirse. En cuanto empieza la relación directa con la realidad el artista saca de su memoria universal el concepto que tiene de si mismo de genio para corromperse. Primero la reproducimos, después la destruimos, construimos desde nuestro punto de vista para, finalmente ,querer formar parte de ella. La ayuda social va desviándose lentamente hacia el  aprovechamiento de esta para fines personales artísticos. 
Veamos pues según mi punto de vista los puntos positivos del arte de contexto y sus contradicciones.  El artista, defensor del pueblo, intenta, utilizando sus herramientas intelectuales y plásticas, ayudar al prójimo. Lo que me interesa en este punto no es sino resaltar la constante ambición que tenemos los artistas por ayudar a los demás y por  obtener un reconocimiento por nuestro trabajo por mucho que lo camuflemos.
 ¿ Que difiere el arte de contexto del trabajo social? Los trabajadores sociales tienen como única finalidad la ayuda al prójimo. Su trabajo, al igual que nosotros, empieza con una idea, un proceso y un posible resultado, la mayoría de las veces se genera un movimiento colectivo. La efectividad en este caso también se juega y juzga a largo plazo no siempre habiendo efectos inmediatos. Su efectividad juega con construcciones que pueden generar el cuestionamiento o transformar subsistemas relacionados con los sentidos y la conducta. Cualquiera puede ser artista porque todos podemos plantear un concepto-problema y un proceso. Utilicemos como ejemplo el proyecto humanitario “ Khanimambo”. Se desarrolla en Mozambique. Un grupo de personas, que no colectivo, ha ayudado a crear un poblado, por así decirlo, para gente necesitada. Han construido casas, pozos, han creado una escuela. Han tratado temas , tan importantes para nuestras sociedades actuales, como la vivienda,la educación etc¿ No es esto una obra de arte? La única diferencia entre ambos es que unos piden que se les otorgue el poder del artista y otros no. En uno existe un objetivo personal y en el otro no, es un objetivo puramente social. Viéndolo desde este punto hay un contraste entre verdadero y falso. ¿ Quiere decir esto que lo que otorga la etiqueta de obra de arte es que la persona en cuestión lo haga intencionadamente y con un fin ( ¿ Artístico?), sin importar el resultado? No queriendo de esta manera generalizar ni poner en evidencia todos los colectivos artísticos con este fin pero sí plantando un punto de interrogación delante ellos.
    El arte de contexto crea su propio museo en las barrios, calles , plazas, sustituyéndolas por  cualquier institución artística.  Los museos ,adrede o no, siempre se han dirigido a un sector de la sociedad de alto copete. Este tipo de arte se dirige  a la gente corriente y no a la sociedad elitista, y el artista por definición siempre se ha situado en contra de todo indicio burgués. La búsqueda de nuestra  propia autonomía ha hecho que desechemos la nueva institución y la antigua ( hogar del burgués)como medio de difusión. Pero como era de esperar esta etapa duró un cerrar y abrir de ojos. La institución pronto reclama este tipo de arte , el no va más, y este no es que no se resista ,que por supuesto no lo hace, es que  disfraza su unión con la institución alegando que es por el bien de la sociedad.  Un ejemplo que me parece acertado para este punto es el del colectivo “ antimuseo”. Este colectivo a creado una plataforma móvil con este nombre que ha viajado por Sudamérica y esta ahora en España. Su objetivo es crear un espacio de intercambio social artístico en la calle, para todos, sin ningún filtro. Después de un largo recorrido este “ carricoche” ha estado expuesto en el reina Sofía. Mi pregunta ahora es, ¿ por qué un vehículo apodado “ antimuseo” acepta entrar dentro de un museo? La respuesta sería porque de esta forma demuestra que una institución ha legitimado este tipo de arte social. Muy bien,genial, pero¿  por qué?¿ Por qué quiere legitimarse si su objetivo es puramente social? Si lo que quería era hacer un arte para la calle por qué siempre acaba cogiendo el camino del organismo. Eso hace que pierda toda credibilidad. Eso hace que su objetivo ya no sea la ayuda a la difusión del arte social sino un bien personal. No quiero decir con esto  que me parezca intolerable que escojan este camino, cada uno a lo suyo. Lo que critico son las medias tintas, el me sitúo aquí pero luego paseo por el otro lado.
   El arte real que se acerca a todos. Objetivo de intentar eludir los procesos de conversión en mercancía de toda producción de índole cultural. Si no hay obra que comprar no hay proceso mercantil. Esto lleva consigo la quiebra de la representación.  Entiendo este punto de vista, pero cuánto se pretendía que durase esto? Esto ha conseguido una quiebra de la representación. Y como casi todo en este mundo acaba corrompiéndose, el arte que ya solo nos llega por nuestro intelecto no ha conseguido huir del proceso mercantil porque evidentemente este lo ha acaparado dando por valido el proceso de toda obra. ¿ Qué tenemos entonces? Tenemos una idea ( fundamental para toda obra artística), tenemos un proceso, tenemos un mercado pero no tenemos un resultado. Nuestros sentidos, emociones se han disuelto, ya no hay cabida a la imaginación. La modernidad artística ha disuelto la experiencia estética y  con esto “ha cerrado un circuito donde el artista es capaz de otorgar artisticidad señalando un objeto y ha hecho que se unan el museo y la galería como lugares privilegiados para la artisticidad” . El arte vuelve a tener limites de difusión, no todo el mundo puede entender la finalidad de las obras y la desaparición de lo estético solo empeora las cosas. Hay un abuso de poder por parte de la institución que escoge quien es artista y este qué piensa tener el poder para implantar qué es arte.
Es verdad que la representación de la experiencia estética tiene poca capacidad transformadora de toda poética. Pero ¿ qué queremos transformar? O más bien, ¿ qué pensamos que podemos transformar? Podemos generar una planteamiento, podemos ser un catalizador pero nunca los transformadores, desde luego no creo que sea nuestro cometido. Queramos o no el arte, y mucho menos el arte social, no puede escapar del mercado, y mientras antes lo entendamos mejor. Como todo en esta vida el arte legitimado es una maquina de producir dinero. Todas las artes lo son. Cine, música, danza pero somos los únicos en discrepar falsamente sobre esto. Peor aún es que estemos encadenados a la cuerda de las modas. Vivimos en un momento histórico donde todo es efímero. Hay tanta información que no nos cabe nada más y encima no tenemos tiempo para prestar el tiempo necesario que implica el entendimiento del proceso de una obra. Ya no hay sitio para la contemplación. Y esto que esta ocurriendo es la manera más fácil y  menos elegante de llamar la atención  de la sociedad estresada. “ El pronunciamiento“. Intentar perdurar en las cabezas ajenas utilizando la provocación. Las personas que perduran en el aire de las cabezas son las que más han alborotado. En todos los campos artísticos hay una lady gaga. Y al final todo se reduce a lo mismo. Da igual en que campo laboral te sitúes, donde te posiciones, todo es igual. Nuestra cultura ha aceptado tácitamente dividir las cosas unas de otras marcando sus  límites pero ha malgastado su trabajo porque todo se reduce a lo mismo. 

30 de enero de 2012


DIALOMÁTICAS

Propuesta para el proyecto Aumentar un lugar
 Blanca Bonet, Julia Moreno y Lucía Merlo.





CONCEPTOS

El lenguaje como materia prima de trabajo:

                - Ocupar el espacio con el lenguaje. 
                - Violar la intimidad utilizando la tecnología. 
                - Experimentar con el factor fallo / acierto de los programas pensados para facilitar la comunicación.

PROCESO

      1. Registro Grabaremos conversaciones que tengan lugar el primer día de trabajo en los dos idiomas: español e inglés. El registro se hará con un ipod touch, y la aplicación para ciegos Dragon Dictation, que transcribe el habla automáticamente.
 2. Traducción Trabajaremos traduciendo el audio al idioma opuesto. Para ello utilizaremos google translator (traducción mecánica).
     3. Ocupación del espacio Como material de la instalación, imprimiremos los textos resultantes y grabaremos la locución mecánica en un clip de audio que sonará en bucle. Estamos abiertas a utilizar nuestro experimento en interacción con las otras obras.

MATERIALES EN LA MALETA

Ordenador portátil. Impresora + papel. Ipod. Altavoces.


Como no sabemos el contenido de las conversaciones, el proceso será experimental, el resultado final dependerá de lo que ocurra en la sala. La materialización quedará completa cuando contemos con los textos impresos y locutados que serán procesados según el espacio y el carácter de las conversaciones y de la convivencia.









 “La realidad se construye con el lenguaje”

Dialomáticas fue una invasión del espacio por medio del lenguaje. Durante los días de trabajo nos dedicamos a grabar las conversaciones de los participantes y después reproducirlas en papel y audio.  Nuestra invasión se basaba en dos fundamentos: ocupar el espacio común con material escrito y locutado y que este proviniera de las conversaciones privadas. El resultado fue que los implicados  tuvieron que enfrentarse a un espacio ocupado por sus propias palabras .  Sin embargo la descontextualización del habla creaba cierta distancia que hacía que muchos no reconociesen sus frases originales.